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JOSUÉ CARANTÓN SÁNCHEZ: LA METÓDICA OBSESIÓN POR LA
ABSTRACCIÓN
Por: Oscar González. Coordinador
Ruta en Estudios Estéticos. EAFIT.
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Acriazul. Josué Caranton.
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¿En que instante, es consciente de que hay una
necesidad interior (Kandinsky) en usted que le indicaba que sería por
medio del arte que su vida tendría un sentido y que había que buscarlo?
Tal vez en un primer momento, esa conciencia no se tiene, uno
llega muchas veces al Arte por intuición, por curiosidad o por evadir
esas ideas embutidas en la secundaria en torno al “éxito”
profesional y el tener algo con qué “ganarse la vida”. No
obstante al iniciar los estudios, el libro “De lo espiritual en el arte” de Kandinsky ser
lectura obligatoria, uno la conciencia interior la va construyendo con
cada obra que hace, con cada decepción, con ciertas, supuestas, certezas
que la vida y la realidad le ofrecen; es más, cada día nos trae
incertidumbres, dudas, miedos que hacen de nuestro quehacer en el arte
una fuga, un medio de escape a tanta inconsciencia, producto de una
especie que se autocalifica de sapiens
sapiens, pero que cada día demuestra su involución.
Es en esa ambigüedad donde el arte cobra sentido, para decir lo
que no se dice, para expresar lo que no se manifiesta y para construir
una conciencia de nuestra condición como seres humanos, es en ese momento
que la vida adquiere un sentido y busca expresarlo a través de alguna
manifestación plástica, aquí es el yo quien involucra su ser y su
quehacer.
El pintor ha de tener unas metódicas para acercar a su
realidad lo que le interesa de ella y llevarla al cuadro: ¿Desde dónde y
en que forma, construye sus metódicas para hacer su pintura?
El primer momento es una reflexión en torno a las miradas de lo
que nos conmueve, de lo que nos alegra o de lo que nos genera alguna
sensación; de la confrontación de las miradas de los otros con la mía
establezco un diálogo y construyo una versión personal, la cual se
problematiza con los presupuestos conceptuales de pensadores de mi
interés o de los comentarios de los amigos en cualquier ajuste. Pero
también las técnicas artísticas son otras metódicas, hoy trivializadas
por la estupidez postmoderna, pero éstas como saber, ofrecen un sinnúmero
de variables para explorar, para recrearse e inclusive para jugar. La
condición soberana del artista es posible encontrarla en la destreza y el
manejo de estas técnicas, es tal vez por ello que hoy se descarten
olímpicamente en la enseñanza.
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Azulultimo. Josué Carantón.
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¿Considera que para su formación como pintor ha sido
importante el tener un conocimiento y una conciencia sobre la Historia
del Arte?
Determinante, puesto que ese conocimiento leído desde la
perspectiva y la formación plástica permite reencontrar lugares y
personajes muchas veces subvalorados, pero que ofrecen un sinnúmero de
conocimiento muchas veces cifrado o no entendido o simplemente se termina
por reconocer en ellos algo que me había negado a ver. Los encuentros con
Kultermann, Tatarkiewicz o Argan han sido importantes para consolidar las
reflexiones en torno a la conciencia interior del arte.
En su búsqueda de la abstracción y en la manera como
hoy la ha realizado, consideramos que totalmente, como lo observamos:
¿Por qué la abstracción y dónde haya su conexión con ella el mayor
momento de intensidad?
La abstracción tiene referentes fuertes, no es como podría
pensarse una manera fácil de evadir la representación o un acto de
mediocridad, es ante todo una posición crítica ante la multiplicidad de
imágenes que agobian con sus elementales miradas todo el entorno, ante
los sinsabores que nos dejan las talas indiscriminadas para construir
supuestos paraísos de ladrillo y concreto, ante la pasividad por las
fumigaciones con químicos prohibidos en otros lugares, ante la inercia
producida por el miedo, y ante la vida, que es lo único que se va con la
muerte.
La conexión intensa la encuentro en el lenguaje del color, en la
aparente irracionalidad gestual de los símbolos, en las preguntas que se
construyen con cada cuadro, en la sonrisa inocente de Isabela y Mateo
enfrentando el mundo que les estamos dejando y en la complicidad
ideológica de mis amigos.
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Retratos de
Klee, Kleing y Kooning. Josué
Carantón.
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En Kandisnky, en Klee, o en Mondrian, la abstracción
tiene una comunicación muy poderosa y esencial, por la misma sutileza,
con una tendencia hacia lo místico: ¿En su obra cómo se da ó no esa
relación, y por qué?
En Klee encontramos el testimonio de la experiencia artística de
la naturaleza, en su ensayo Caminos
del estudio de la naturaleza, publicado en 1919, Klee distingue tres
vías, la primera es óptica y está basada en la impresión sensorial que
las cosas ejercen sobre la retina, la segunda es la relación terrenal, el
nexo de comunidad entre nuestra existencia y el objeto, ambos como partes
de la misma naturaleza y la tercera tiene que ver con una forma de
participación espiritual que Klee llama Cósmica, escribe: “El
artista es humano, es naturaleza y es un pedazo de la naturaleza en el
espacio de la naturaleza”.
La síntesis de lo anterior transforma nuestra mirada exterior en
mirada interior, esto es lo que otorga a nuestra percepción sensible una
dimensión interior, que se confunde con la experiencia intuitiva de las
cosas y con una visión espiritual.
En cuanto a la mística y los místicos, rescato la polémica contra
el lujo y lo accesorio y el reconocimiento del atractivo invencible que
ejercen las cosas bellas y encantadoras, a sus otras actividades prefiero
la mirada de San Dionisio. En Mondrian pongo en duda lo místico, veo en
él la trivialización tiránica hecha por la Bauhaus, mejores abstractos y
místicos fueron los pueblos precolombinos.
Ante la cantidad extenuada, a veces, que vemos de
obras que nos hablan de la muerte del arte: ¿Usted, que todavía se
mantiene dentro de un modelo tradicional y clásico de hacer pintura, que
podría decirnos?
Desde el “tú me aburres” de 1918 de Marcel Duchamp
cualquier artista sin talento anuncia la muerte del arte, los
conceptuales de los 60´s creyeron haberle aplicado la eutanasia, ahora el
arte conceptual está pasado de moda y es aburridísimo y la pintura sigue
ahí, llamando la atención de todo el mundo. Creo que es más interesante
mirar una imagen que un texto en una pared. No creo que algo que haya
cautivado a la humanidad por más de 2000 años desaparezca por las
imposturas de tanto simulacro intelectual.
Un ejemplo puede ser Bernard Venet uno de los otrora líderes
conceptuales, recientemente expuso pinturas en Nueva York y París.
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Sueño
interrumpido 3. Josué Carantón.
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En la realización de su tarea creadora: ¿Considera que
el pintor ha de hablar de su obra y solamente él, o que es también importante
lo que dice el crítico y lo que indica el historiador?
En las reflexiones emanadas de una reciente investigación que
hicimos con Efrén Giraldo sobre el arte expuesto en Medellín desde 1980
al 2000, nos dimos cuenta de la determinante importancia que tiene la
crítica en el fortalecimiento y visualización del artista y su obra; al
enfrentarnos en la construcción de esa historia encontramos que para la
llamada Historia del Arte muchos artistas con sus respectivas obras
carecían de validez ante la ausencia de un respaldo teórico conceptual y
lo único que quedaba de ellos, era un individuo que es usufructuario de
la venta de unas obras que fueron del gusto de un comprador.
Cuando el artista habla de su obra se pueden llegar a encontrar
elementos que favorezcan o estén en contra de la misma obra, se puede
pecar por omisión o por exceso, de arrogancia o de imbecilidad, pero
pienso que en ciertos casos es necesario establecer los presupuestos y
contenidos que se encuentran en ella, lo que facilitaría, algo que hemos
llamado “la formación de públicos”; la necesidad de
interlocutores receptores que con la intermediación del crítico y las
herramientas aportadas por el artista pueden construir puentes y vías de
aproximación a una experiencia interior.
Hay quienes enseñan la pintura y a veces resulta que
solamente enseñan su manera de verla y nada más, determinando una visión
excluyente y que sin duda, limitará al estudiante: ¿En qué basa sus
criterios para hacer esta relación con su modo de enseñarla?
Existe una manera de hacer bien las cosas que ha sido transmitida
por generaciones y es lo que ha permitido el desarrollo y evolución de la
pintura.
Yo veo la situación excluyente desde varias perspectivas, puede
ser que quien enseña carezca de una metodología pedagógica que le permita
exponer con claridad sus conocimientos y lleve a una sin salida al
estudiante, otra visión puede ser que con tanta postmodernidad y su todo
vale, individuos carentes de una formación adecuada estén haciendo el
papel de educador, o también que quien enseñe no asuma su responsabilidad
social de profesor y se convierta en un ególatra que antepone sus gustos
personales a la tarea formativa o tal vez exista una desmotivación en el
estudiante que llega mediocrizado por los famosos “logros” y
por una formación básica secundaria bastante deficiente y que tan solo
desea continuar con la ley del mínimo esfuerzo.
Creo que el profesor debe tener la capacidad para ofrecer al
estudiante las herramientas que le permitan enfrentarse al mundo del arte
con sus todas sus complejidades y problemas, y que además de ellos le
incite e incentive a asumir la responsabilidad que tiene consigo mismo y
con su entorno, lo demás es caer en lo juegos mercantilistas de la
educación.
Nota crítica
EXPOSICIÓN AL AMBIENTE
“No te muestres
mucho ni permitas demasiadas
familiaridades: de
tanto conocerte la gente
termina por no saber
quién eres”.
Augusto Monterroso.
La
obra de Josué Carantón se encuentra ubicada en el plano lúdico del goce y
el placer. Sus intencionalidades se tornan liberadoras de esquemas,
discursos, poéticas y dogmas. Juega con el color, con los soportes, con
las formas y con la representación. Emula imágenes de artistas
consagrados para hacerlos suyos y de paso aplicarles y anexarles sus
formas simbólicas particulares, talvez como una agresión o como una
negación.
El
placer por pintar prima sobre las estéticas, placer casi siempre
monopolizado por los llamados artistas del primer mundo, Carantón no
encuentra en la porno miseria su razón plástica, no sucumbe a la
tentación chovinista de mostrar un mundo lleno miserias y conflictos
sino; que acude a su sarcasmo e ironía para construir sus hipertextos
visuales.
El
primero en usar la expresión “hipertexto” fue Theodor Nelson
en los años sesenta, quien hacía referencia a la tecnología informática,
al texto que se bifurca y a una serie de bloques conectados por nexos, lo
cuales forman diferentes itinerarios; Barthes los va a llamar Lexias, y esta rica diversidad de
estímulos su materialización en esta muestra son las pinturas.
En
la necesidad de abandonar viejos esquemas y sistemas conceptuales de
nociones rígidas, el artista parte de la distracción, la descomposición,
el desplazamiento y la refuncionalización de algo que le ha precedido,
dando paso a nuevas formas como la multilinealidad, los nexos y a los
entrecruzamientos, originando un cambio en la forma de hacer las cosas,
permitiendo la coexistencia simultánea de varias obras, sin limitaciones.
Obras
a las que el espectador se puede acercar por distintas vías de acceso,
donde los sistemas de significado pueden imponerlos los espectadores,
eligiendo sus propias rutas y donde cada obra por separado nos remite a
otras circunstancias y a otros lugares.
Esa
posibilidad de “navegar” que nos ofrece Josué Carantón hace
que no usemos la forma tradicional de leer una obra, sino que de acuerdo
a los intereses de cada uno de nosotros, nos permite hacer una lectura
personal. En el juego del hipertexto esta obra nos enfrenta a una forma
diferente de acceder al conocimiento, basándose en la diversidad de
estímulos y permitiendo ejercitar la imaginación y la creatividad, y de
paso torna la obra autogestiva. Y el artista en esta ocasión, también se
burla de nosotros.
BETTE
PORTER
Directora
Museo TLW
Los
Ángeles, California. 2007
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